Gente encantadora

Entre secretos y navajas (Jonhson,2019)

La previa

Rian Jonhson recientemente entronizado como mandamás creativo de las futuras entregas del universo Star Wars, se hace un ratito para amontonar estrellas y despacharse con una película de un género algo olvidado por Hollywood pero siempre vigente en Inglaterra, el who do it? (¿quien lo hizo?).  

Siempre son tentadores los filmes al estilo Agatha Christie, un crimen, un asesino suelto entre los protagonistas que de alguna u otra forma dejará pistas, es ahí donde nos calzamos el impermeable y la libreta o grabador, para tomar todos los indicios que nos lleven a resolver el caso, o al menos acercarnos lo más posible. 

La historia

La misteriosa muerte de Mr. Thrombey luego de una reunión de toda su familia es el inicio de una investigación y una gran disputa por la herencia.

Mr. Thrombey (interpretado por Christopher Plummer) ha muerto, y como todo pater familia deja tras su partida un testamento,  esto es así en la ley estadounidense y viene como anillo al dedo para historias de misterio. En otros países como Argentina por ejemplo, hay ley de sucesión y no puede un testamento anular la herencia que corresponde a los descendientes. 

El investigador de turno, el teniente Elliot encarnado por Lakeit Stanfield, va ir entrevistando a cada miembro de la familia para indagar acerca de los hechos acontecidos en la noche del cumpleaños del anfitrión que resultó ser su última velada.  Desde las sombras y tocando algunas teclas del piano vemos al típico detective con su acento extraño, sus clichés y con mucha parsimonia para realizar alguna pregunta más, realizando este rol nada menos que nuestro querido James Bond, el duro e inoxidable Daniel Craig como Benoit Blanc.

Craig interpretando al excéntrico investigador, referencia directa a Hércules Poirot el legendario personaje de Agatha Christie, da curso a la parte más pura del género, repleta de guiños y referencias. Algo patético en su impostura logra resolver el caso aplicando su propio método de observar los hechos como la trayectoria de un cuerpo que cae, teoría que explica en uno de los pasajes más memorables de la película.  

El elenco continúa con grandes figuras y resulta divertido apreciarlos en un ambiente cuasi claustrofóbico, Toni Collette como la viuda Joni Thrombey junto a su hija Meg (Katherine Langford) arman una dupla que sabe conseguir piedad de los parientes, salvo del viejo que parece tenerlas muy caladas. Jamie Lee Curtis es Linda, la hermana mayor, que está casada con Richard Drysdale, interpretado nada menos que por Don Johnson galán ya maduro pero impecable, son esos actores que uno identifica tanto con una serie (Miami Vice) que es difícil salirse, resulta que son una pareja intachable, el tema es que su hijo Ramson (Chris Evans, sí, el capitán américa)  es un poco, la oveja negra de la familia. En esta línea ,está bueno que actores que están ligados a su rol de megasagas puedan salirse un poco del molde. 

Para cerrar el círculo familiar Michael Shannon un actor que que tiene cara de villano y es difícil verlo en roles de lo cotidiano o mundano, compone un papel excelente como el heredero de la imprenta que es la marca del clan Thromley. 

El único personaje que no pertenece a la familia es Marta Cabrera (Ana de Armas), la enfermera latina que trabaja cuidando al Sr. Thrombey. La actriz cubana viene pisando fuerte en Hollywood y este año dará su salto definitivo al estrellato como chica Bond, acompañando a Daniel Craig en su última vez como el icónico espía. A través del personaje de Marta se pone toda la xenofobia y prejuicios al asador, al punto de jugar con el hecho de considerar a Latinoamérica un todo idéntico, evocando su nacionalidad a cinco países distintos. Luego la cuestión de ser alguien que no pertenece al clan y que tiene todos los números del sentido común más racista para activar todo tipo sospecha sobre sí.

Ana de Armas  logra estar muy bien a la altura del personaje soportando gran parte de la acción dramática solo con la expresividad de su rostro. Los enigmas funcionan, todos sospechan de todos aunque es más fácil siempre acusar a uno, una, en esta ocasión, las miserias afloran y todo parece llegar a un puerto para dar luego una vuelta de rosca muy bien lograda. 

Mención especial para tres apartados técnicos de la película que se integran armoniosamente a la trama lo que los hace pasar medio inadvertidos pero que son muy destacables. La ambientación, la casa Thrombey es un abarrotado delirio, la fotografía, siempre climática y ajustada y por sobre todas las cosa el montaje, veloz, ingenioso y maravillosamente construido. Si bien para mucho puede ser una película menor en estos rubros no debería faltar en ninguna terna de premios.      

La veo o no la veo

Señoras y señores, tomen sus libretas o grabadores visualicen bien la escena del crimen y luego nos cuentan, nos gana el corazón un aire al  querido detective Columbo que impregna la película, si te van las pelis de investigación y pistas no te la pierdas.

Alta traición

El irlandés (Scorsese, 2019)

La previa

Uno de los estrenos más esperados del año llega directo a nuestros televisores y dispositivos, los tiempos cambian amigos. En otras ocasiones hemos discutido los cambios, controversias y chicanas que han presentado los distintos actores de la  industria respecto al estreno por streaming particularmente en febrero de este año cuando se estrenó Roma de Alfonso Cuarón. Al igual que con la película mexicana luego de diferentes debates se llegó al acuerdo del estreno en un espectro reducido de salas fuera de las cadenas más grandes y luego si a través de  Netflix la casa productora del film.

La historia

Los hechos que rodean la muerte y desaparición de Jimmy Hoffa, sindicalista camionero de los años 60 en Estados Unidos.

El despliegue formal del film es maravilloso, desde la voz over de Frank (Robert De Niro) en el geriátrico donde reside que realiza un pase de extradiegética a diegética con el personaje mirándonos a los ojos y convirtiéndonos desde el primer momento en los confidentes de su historia, los únicos, podemos aventurar que este formidable  plano de apertura se estudiará en escuelas de cine durante años y se le dedicaran no pocos artículos de análisis en libros y tesis. La película arranca a ese y nivel y después Scorsese nos tira 50 años de oficio encima, los encuadres clásicos pero no por eso oxidados de hombre al volante, referencia obligada a Taxi Driver (Scorsese,1974) anticipan los no pocos auto homenajes que el director desparrama por el film.

Son dos las relaciones de Frank que trazan la película: su relación con Jimmy Hoffa (Al Pacino) y Russell Bufalino (Joe Pesci) Se trata de tres actores enormes, lo que molesta un poco es el efecto de rejuvenecimiento que se aplicó sobre todo en De Niro que con los ojos muy celestes y la piel naranja parece medio extraterrestre, luego el efecto es raro, ya que son caras jóvenes pero cuerpos con movimientos de gente mayor. Son actores muy conocidos que han trabajado con este director, ese empeño por no contratar actores que realicen sus escenas de juventud se ve un poco extremo. Se entiende la voluntad de desarrollar una nueva tecnología, pero los resultados no son aún satisfactorios y le generaron un encarecimiento sideral a la cinta (costó más de 100 millones de dólares) y no pocos retrasos. Los amantes de las películas de cabalgata, o biopics como gustan llamarlas ahora, valoramos el arte del casting de actores y actrices parecidos para representar distintas edades de un mismo personaje. Seguro Robert De Niro concuerda con nosotros. 

La trama de lealtades y traiciones recuerda a títulos anteriores del autor Casino, Buenos Muchachos incluso con los mismos actores. La historia de Jimmy Hoffa, el líder sindical camionero, retrata los años 60 en Estados Unidos, y juega con las posiciones que tomaron distintos sectores, entre ellos el sindicato de camioneros frente al asesinato de John F. Kennedy, presidente de EEUU.

Entendemos que la clave de las razones del personaje para actuar como actúa esta en una pequeña escena que no suele ser tenida en cuenta en la mayoría de los análisis. La escena en que Frank ejecuta eficientemente un grupo de soldados nazis luego de obligarlos a cavar su propia fosa. Sin ningún amago de cuestionamiento o reflexión, simplemente porque se lo ordenaron. Frank Sheeran es ante todo un soldado, y esa es tal vez la clave de todo su accionar, se trata de un ser perfectamente preparado para obedecer, trazando un paralelismo se puede pensar en The hurt Locker (Bigelow,2008)  un film que ganó muchos menciones tratando un tema constante para la sociedad estadounidense: la guerra. En dicho film el protagonista vuelve a su hogar, luego de estar en Irak con la tarea específica de desarmar artefactos explosivos, es tal su nivel de alienación que a su retorno no puede adaptarse a su familia y termina retornando a la vida de soldado, no por una decisión, sino por una especie de condena.

Volviendo a Frank, su caso es de idéntica alienación aunque no en solitario, rodeado de distintas relaciones de poder, no podrá escapar a su carácter de obediente, ni siquiera por amor. Lo que Frank sufre es un tironeo por su obediencia no por su lealtad. Russell lo comprende perfectamente y por eso sabe que la presión y la firmeza son las que inclinaran la balanza y no la afectividad. Por eso el viaje, las amenazas veladas y el acompañamiento y espera hasta el avión. Hoffa confía en Frank, se sabe querido por este y se siente a salvo por ello, no sospecha de él ni en el segundo final. Frank actúa finalmente de la única forma que era capaz, como un soldado, y esto es lo que lo destroza y lo condena a ese purgatorio sin fin que es su vejez.

Esta reseña no comparte el planteo de género que sí abordan otras, a partir  del derrumbe de masculinidades, planteado por Lena Woodhouse en un muy interesante y celebrado hilo de twitter. En él la autora trabaja la idea sobre la atracción y amor homosexual entre los protagonistas del que cabe destacar la sesuda búsqueda escena por escena de indicios formales de esta tesis. Si recomendamos enfáticamente el análisis que hace sobre el personaje de Peggy la hija de Frank con el cual coincidimos completamente.

La veo o no la veo

Definitivamente El Irlandés pasará a la historia por muchos motivos. Si no media ninguna triquiñuela será una de las grandes ganadoras de la temporada de premios, es una película (una de las últimas) de uno de los grandes directores de la historia del cine y además es pionera en dos debates sustanciales para el futuro de las películas, el formato de producción y exhibición y la utilización de CGI para manipular la edad de los actores o traer “a la vida” actores fallecidos. Y si todo esto no alcanzara es además un gran film. No hay excusas para no dedicarle una escasas 3 horas 40 de nuestro tiempo.  

Los olvidados

Guasón (Todd Phillips, 2019)

La previa

Se han escuchado desde adolescentes hasta gente mayor, y todos aquellos que generalmente no van al cine ni les interesa demasiado, hablar maravillas del film o de la actuación de Joaquín Phoenix, hasta recomendando su visionado como una pieza imperdible. Incluso, muchos que nunca van al cine han comentado haber sentido necesidad de no perdérsela, algo insólito en tiempos donde la tendencia es cada vez mayor hacia los productos de la pantalla chica y el streaming. 

En EEUU para el estreno hubo medidas de seguridad para que ningún asistente al cine lleve máscaras e inicie una masacre. 

Aquí nuestra reseña de la película más promocionada, inflada y comentada del año, que ganó el León de Oro a Mejor Película en el Festival de Cine de Venecia.

La historia

Una serie de sucesos desmoronan la ya difícil vida de Arthur Fleck, quien termina convirtiéndose en un criminal. Una historia trágica y realista sobre el origen del Guasón.

El relato

¿Quién le da un arma a un loco?

El relato cuenta cómo una persona en estado psiquiátrico sin tratamiento puede convertirse en un asesino. Arthur Fleck es una víctima antes de convertirse en el victimario que aterroriza a Gotham. En los orígenes, el Guasón es un enfermo mental, que padece alucinaciones y un trastorno de risa nerviosa, que le dificulta la respiración y muchas veces provoca el desquite de quien se siente aludido por una carcajada inapropiada. Además trabaja de payaso, un oficio que le da poco dinero y ningún tipo de seguridad ante la exposición. 

Es el típico payaso que esconde tras su máscara feliz la más profunda infelicidad. En el relato, esa figura se convierte en el símbolo de un movimiento anti establishment luego de que Arthur asesina a dos representantes de ese sector. Es la primera vez que tiene un reconocimiento de esa sociedad que hasta entonces sólo lo expulsaba, y por este motivo él abraza ese personaje.

Detrás del vidrio empañado

Frente al conformismo cristalizado de films de héroes y villanos de ficción deshumanizados, esta película parece inevitable. Todd Phillips se apropia de un personaje de ficción como si lo hubiera descubierto. Predomina en el film una mirada neorrealista, en el contar la vida dura y cruel, en la crónica dramática de la contemporaneidad. Ofrece un relato que parece documento y a la vez poesía.

Arthur es constantemente maltratado, sufre en carne propia la insensibilidad social que castiga al “diferente” cuando está débil,  además padece el descuido del estado que le recorta el tratamiento psiquiátrico, dejándolo absolutamente expuesto ante su enfermedad. 

Las calles de la ciudad de Gotham están llenas de basura, apesta de bolsas apiladas sin que nadie recoja, se ve la humedad del piso y las paredes que dan idea de lo pringoso y sucio, el transporte público sobrecargado de grafittis. Hay un clima de violencia constante.

A lo largo de todo el film prevalece el tono sepia, amorronado, acompaña la turbia vida del personaje y el entorno.

El relato nos mete dentro de la cabeza de Arthur y no siempre somos conscientes de lo que es real y lo que es su imaginación. Esto es finalmente revelado, pero no todas las veces de modo inmediato. La mente perturbada del personaje se narra a partir de una serie de recursos. Uno de ellos es la utilización de los espejos, Arthur se mira todo el tiempo, en estos lo vemos forzar la sonrisa (intenta encajar) o escribir una frase con maquillaje, por citar algunos ejemplos. Otro recurso es la libreta de chistes, con las frases y el trazo alienado de su escritura. Mira un programa televisivo conducido por un comediante (Robert De Niro) con quien sueña le apadrine su carrera de comediante al comienzo del film, y es ahí mismo donde finalmente se consagra, pero como el payaso asesino. Otro recurso son las cartas escritas por su madre a Thomas Wayne, a partir de las cuales Arthur Fleck emprende la búsqueda de su origen. 

Guasón del método

Hay una estrategia en castear para este personaje a actores del método, para meterse en la psicología de un personaje muy popular y con muchas facetas. Las dos actuaciones anteriores también tuvo un trabajo en esa línea, Heath Ledger y Jared Leto. Estos mostraban su lado gangster, agente del caos. El Guasón de Joaquín Phoenix se destaca por representar al personaje en su estado más vulnerable, sus comienzos. 

Sin dudas el actor realiza una labor excepcional, lo deja todo para representar a un Arthur que pendula entre la fragilidad y la sangre fría. El trabajo que realiza desde lo corporal es un elemento predominante del relato, desde ahí busca expresar las emociones del personaje. La presencia del cuerpo macilento le aporta realismo pero también cierta monstruosidad al personaje, los movimientos tipo muñeco de aire de gomería los vemos cuando Arthur se siente liberado, el estirarse hacia atrás y con un cigarrillo en la boca cuando está cómodo en determinada situación. 

De todos modos, resulta excesivo que los actores del método suban y bajen de peso a extremos.

La veo o no la veo

Si te gusta el personaje, la tenes que ver, pero si esperas una película de superhéroes tradicional no es para vos.

Solemne balacera

Pistolero (Garavagno, 2019)

La previa

Es muy esperado por nosotros el cine de género nacional, es porque nos gusta mucho y desde la década ganada kirchnerista se había podido retomar un nivel de producción que empezaba a igualar buenas épocas, con inversión producción y nombres prometedores. De la mano del INCAA y la TDA se armaron varias movidas donde vimos producciones de BOIKOT y donde Galvagno ha sido productor y director en distintos formatos.

La historia

Un bandido rural, Isidoro Mendoza y su banda saquean financieras y joyerías en el interior de Mendoza a finales de los 60s, cuenta la leyenda que siempre deja algo para los pobres. El comisario de la zona hace tiempo que lo busca y está tras su sombra.

El relato

La historia y los personajes retratados son atractivos los momentos de incertidumbre pesan, las actuaciones son buenas. Lautaro Delgado que viene batallando en varios bodrios del cine pogre al fin se desquita a los tiros con mucha personalidad. María Abadi está impecable ha hecho mucha pantalla chica en estos tiempo y se merece protagónicos de esta talla. Juan Palomino y su proceso de charlesbronsonización nunca defrauda. Mención especial para Maravilla Martínez que desempeña un papel excelente y sorprendente porque no era conocido en este rubro. No podemos dejar de nombrar la maravillosa actuación de Diego Cremonesi villano y hablando en italiano muy bien.

El problema del relato es que Galvagno no terminó de decidir para quién quería contar esta historia. No puede ser que se pretenda que el espectador haga un gran esfuerzo para comprender la historia porque el director quiere aglutinar todas sus grandes ideas en un solo guión,  es importante elegir qué y a quién se le va a contar la historia y si hay dudas recurrir al género como matriz para ajustar las coordenadas que se le envían al espectador. Si se mezclan escenas de un costumbrismo inesperado cuando la publicidad y el afiche presentan un western, si se presentan personajes complejos como el comisario representado por Juan Palomino y el personaje hacia el final se abandona en lugar de cerrar el arco de transformación solo se aporta desconcierto.

Tal vez el director se vió condicionado por su estreno en el marco del BAFICI, es una lástima, retomando la reflexión realizada con el film Iniciales, es importante que los realizadores se ubiquen en el campo de producción de matrices que tienen historia y no en querer volcar sus grandes ideas todas juntas, la insistencia en el  tema es porque se corre el riesgo de que se considere la producción cinematográfica argentina como el gusto o capricho de los que llegan a producir films y el arte cinematográfico es otra cosa. Es un hecho industrial y colectivo que debe considerar al público, se cual sea el elegido, parte esencial de la construcción del film.

La veo o la veo

Se hace difícil de recomendar, grandes actuaciones, balaceras buenísimas y una historia que se hace densa.

Pasarse de listo

Parásito (Bong Joon Ho, 2019)

La previa

Es lamentable que estos títulos coreanos ni siqueira se estrenen en el cine, son grandes obras, ganadoras de premios internacionales y accesibles para el gran público. Hay que recordar que cuando se animaron a estrenar Old Boy (Chan Wook Park 2003), una película mucho más enrevesada de la que hoy nos compete, fue un éxito. El director Bong ho Joon vuelve a Corea luego de su periplo por Hollywood donde dirigió Snowpiercer (2013) y Okja (2017) para Netflix. Intacto en su manera precisa y elegante de retratar los conflictos sociales de su país reconecta con lo mejor de sus primeras obras como Barking dogs (2000) o Madre (2009) todas joyas que pudimos ver en el 34 Festival de Cine Internacional de Mar del Plata que programara Parásito en su edición de este año.

La sociedad surcoreana se postula como estratificada brutalmente los que lo tienen todo versus los desposeídos absolutos, sin término medio. Una brutal tormenta se convierte en un divertimento para unos y en una desgracia para otros.  La suerte juega su partida a través de la presencia de una piedra que traerá aparejada la dicha o la desgracia sin más.

Los puntos de tensión son desgarradores. El desarrollo de los personajes se da paso a paso, Min (Seo joon Park) es un adolescente que ha fracasado en su ingreso a la universidad pero anhela acceder, pertenecer al mundo que le permita ser valorado. Kim ki jung (So dam Park) tiene menos ilusiones que Min, es más pragmática su destino es inesperado interceptado. Kim ki Taek encarnado por el gran Kan ho Song, el padre, actor que siempre ha trabajado con este director dando papeles excelentes, su personaje desarrolla una vuelta inesperada y con un nivel de prescindencia del mundo exterior aterrador. La madre al igual que otras madres que ha desarrollado Bon ho Joon, que tiene un título Madre, es una madre con "m" de monstruo es de las que todo lo pueden vencer con tal de salir adelante con su familia. La familia rica funciona como espejo en sus imposibilidades y desarrolla un modelo di funcional que precisa del afuera para realizar su cotidiano.

Tres locaciones, dos antagónicas y una dentro de otra presentan formas de vida contrastantes y subsidiarias con sus miserias y desbordes.

La veo o no la veo

Sin dudas un peliculón para disfrutar por el streaming, ahora gracias a la nominaciones al oscar podés aprovecha y verla en el cine, no te la pierdas.

Decadente y fatal

Iniciales SG (Attieh- García,2019)

La previa

Una muy buena campaña publicitaria con afiches de Diego Peretti un actor popular, sobre todo luego de Los Simuladores, preparan el terreno para querer ir al cine a por un estreno nacional.

La historia

Durante el mundial de fútbol del 2018 Sergio Garcés (Diego Peretti) cree que su suerte está directamente vinculada a la del equipo argentino, es por eso que lleva amuletos, sigue rituales y no abandona la camiseta, recibe un premio, empieza a salir con una chica y su suerte va a caer completamente al  quedar involucrado en un crimen.

El relato

Se proyecta una hermosa Buenos Aires con milonga de fondo, Sergio Garcés va andando en bicicleta por las calles del sur de la ciudad, un pequeño accidente le deja una cicatriz en su ya prominente nariz y deja su bici averiada gravemente, pero lo logra igual, puede llegar a la cita para ver el partido en el bar junto a sus amigos.

Sergio es un actor que ha trabajado en muchos cortos con pequeñas participaciones y también ha trabajado como actor de porno. En estos días se encuentra contrariado la suerte del equipo argentino no puede fallar y anda con la remera de la selección colocada debajo como cábala.

El amor da una vuelta por la casa de Sergio, Jane interpretada por Julianne Nicholson es francesa y está participando de un festival de cine donde premian a Sergio, es por eso que se cruzan y empiezan a salir. Sergio claramente es un solitario, por su casa, sus horarios y su forma de referirse a las mujeres no es difícil advertir que se trata de alguien que carece de interés por el compromiso afectivo en general, aún así Jane logra acercarse.

La soledad y la fatalidad acompañan al protagonista aunque no se lo proponga, su nariz lastimada se interpone en una filmación, los artefactos en su contra, la bicicleta, un portero eléctrico, un ascensor distintos artefactos lo atribulan. En paralelo vemos que Sergio debe asistir a citas pautadas por la justicia con un psicólogo y por un juzgado, porque no logra controlar su ira. En este punto el guión es un poco desconcertante, porque viene construyendo la fatalidad para luego completar la información de los ataques de ira. Se produce un crimen y a partir de ahí ya nada tendrá arreglo posible.

Es una lástima esta contraposición de líneas argumentales ya que la segunda con la presentación de la ira desdibuja la fatalidad y todo lo sostenido desde el personaje fontanarrosesco con el relato en off. El final retoma el hilo de la fatalidad y logra hacer un cierre.

El cine argentino en general tiene dificultades para llegar al gran público, y en gran medida es porque se presentan films que no tienen tal pretensión, en este caso un actor conocido,el fútbol y la mala suerte juegan con un personaje para llegar a todo público pero luego se enreda y no se decide bien para quien cuenta el relato. Es importante cuidar al público, no desorientarlo, ya que es difícil construirlo y sostenerlo.

La actuación de Diego Peretti es espectacular compone el papel deja todo, da perfecto con la fatalidad y la caricatura, Nicholson lo acompaña en el momento más demencial y no se explota el camino tomado.

Un final recargado

It Capítulo 2 (Muschietti, 2019)

La historia

Veintisiete años después de mandar a dormir a It, ‘los perdedores’ ya adultos y migrados a otras ciudades deberán volver a Derry donde hay indicios de que el monstruo ha despertado para matarlo.

El relato

Payaso me come

Se trata sin dudas de la película de terror del año, segunda y última parte de la adaptación cinematográfica de la famosísima novela de Stephen King, sobre un monstruo extraterrestre llamado Eso que toma la forma de los miedos de sus víctimas y las devora. Vive bajo el suelo de Derry, una ciudad ficticia ubicada en el estado de Maine, Estados Unidos, y cada 27 años despierta. Se presenta como Pennywise cuando quiere atraer a los niños pequeños, aunque tanto en la versión cinematográfica actual como la televisiva, allá por el año 1990, esa figura quedó fijada mientras que en la novela su forma de origen es la de un arácnido. Encarnado en aquel año por el gran Tim Curry, visualmente daba un payaso típico de feria, mameluco con botones gigantes y colores primarios, que al momento de atacar se transformaba y aterrorizaba al espectador con sus dientes filosos, ojos amarillos y cara arrugada en primer plano, que digo, hasta en los planos generales asustaba, su mera presencia, doy fé de millennial. En la actualidad el payaso muy bien encarnado por Bill Skarsgard tiene un vestuario más sórdido, tul blanco sucio y color rojo, tipo comedia dell arte. It suele presentarse con elementos simpáticos y amigables para atraer a sus víctimas, sólo ellas pueden verlo junto con las alucinaciones de sus miedos encarnados. Los efectos están bien realizados mediante CGI, aunque vale aclarar que el terror pasa por otro lado.* 

Miedo adentro y afuera

La primera escena del film ya ofrece todo lo que aterra: un ataque ultraviolento de un grupo de matones homofóbicos a una pareja, y para colmo de males aparece el monstruo, que no pierde la ocasión y se devora a la que ya era víctima. 

Los ataques de parte de inadaptados que se hacen fuertes dentro del grupo y proceden con crueldad frente a individuos externos, a quienes les asignan alguna cualidad que los determina como el “otro”, forma parte del universo de violencia que dialoga con el terror fantástico. 

Esos otros que en la infancia eran los nerds, ya de grandes tienen, en un primer vistazo, su vida resuelta, son exitosos en sus empleos, grandes y lujosas casas, famosos, bien acompañados. Sin embargo, así como en los nuevos encuentros con el monstruo se juega la superación o no de los miedos, el retorno a Derry les hace vivenciar el pasado y a cada unx le sucede un encuentro con lo personal y la reflexión acerca de quiénes son en el presente. Por eso creemos que están infundadas las críticas que dicen que al relato le falta el desarrollo del vínculo entre los personajes ya adultos, no va por ahí esta segunda parte.

En un ir y venir entre el recuerdo y el presente de los personajes, vemos cómo Pennywise ataca sin descanso a los perdedores, niños y adultos. Pero también se sigue cobrando de nuevas víctimas y no faltan escenas crueles de niñites devorados. El monstruo sigue tan despiadado como siempre. 

Estás igual

El casting buscó el parecido físico con los intérpretes niñes del primer episodio, que también acompañan esta última parte realizando nuevas escenas, un poquito más crecidos. Es impresionante el parecido de Eddie grande (James Ransone) con Jack Dylan Razer (Eddie pequeño), lo mismo sucede con Jessica Chastain (Beverly) y Jay Ryan (Ben), que finalmente resuelven el triángulo amoroso con Bill Hader, interpretado por James McAvoy. Una nueva historia de amor que involucra a otros dos personajes se revela.

El personaje de Mike (Isaiah Mustafa) es el único que no se fué de Derry y vive en la biblioteca donde investiga los orígenes de It, que lo llevan a involucrarse con culturas antiguas; él hace tomar una raíz a Bill que le devela todo, en una escena que parece desaprovechada luego de haber visto La serpiente y el arco iris (Wes Craven, 1988).

En Derry todo parece quedado en el tiempo, como un pueblo fantasma, tiendas abandonadas, planos generales de calles vacías o con poca circulación, primeros planos de carteles de habitantes desaparecidos. En este panorama se inserta el sentido del humor, como cuando en la farmacia vemos que los personajes no han cambiado en lo que dicen o la forma de ser, también los protagonistas, de modo recurrente, toman distancia emitiendo chistes sobre sus vivencias. En los personajes de los matones del primer episodio, de grandes convertidos uno en un psicópata y el otro en un zombie, se reafirma el humor por lo descabellado de su existencia y sus acciones. Estos no tienen una función en el relato más que para acompañar el paisaje decadente. 

Muschietti hace lo que se le antoja después del éxito de la primera parte y con todo el presupuesto del mundo a disposición. Y no lo hace mal. Además del sentido del humor que abarca de principio a fin del relato, se da el gustito de tener a Stephen King en escena, un vendedor de antigüedades que toma mate con el logo del club independiente. 

La veo o no la veo

Si te gustó la primera parte, esta te va a gustar porque viene recargada, están potenciados todos los elementos y les suma más. Además, no te vas a quedar sin ver el final. Y dejen de quejarse aquellos que dicen que les gustó la primera parte y esta no, aunque hayan disfrutado más la otra, no tiene sentido el rechazo, es la continuación realizada con los mismos artistas les aclaro. Besitos

* El terror opera en el momento en que se manifiesta el monstruo, desde lejos saludando es tan siniestro como cuando te muestra los dientes y te ataca. El recurso del globo es un  recurso que opera en ese mismo sentido, por eso es tan efectivo, te asusta aún cuando sólo se trata de un globo. Por eso compatriotas, aprendan de la experiencia y no sigan al globo, detrás viene el payaso y te come.